Kalmuk

Novedosa, fresca, envolvente es la propuesta sinfónica del acordeonista finés Kimmo Pohjonen que recuerda en ciertos pasajes a las construcciones minimalistas del compositor norteamericano Phillip Glass acompañada de una interesantísima puesta en escena.

Disfruten pues de Kalmuk.

 

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David Sylvian

David Sylvian (nacido David Alan Batt el 23 de febrero de 1958 Beckenham, Kent) es un reconocido cantante, músico y compositor británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros.Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música. Su posterior carrera solista fue descrita por el crítico Jason Ankeny1 como “una carrera esotérica y de largo alcance que abarca no sólo proyectos en solitario, sino también una serie de fascinantes actividades de colaboración.” El trabajo solista de Sylvian ha sido influenciado por una gran variedad de géneros y estilos musicales , que incluyen jazz, avant-garde , ambient, Música electrónica, Rock progresivo y música de cámara.

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero. En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum. ´ Durante un período de pocos años su música se volvió más sofisticada, recurriendo en primer lugar al art rock al estilo de Roxy Music.Su imagen visual fue evolucionando y fue etiquetada como New Romantic .De hecho, se podría argumentar que Japan estaba a la vanguardia de todo el movimiento New Romantic, aunque la banda nunca se asocia con él. Japan grabó cinco ábumes entre 1978 y noviembre de 1981. En 1980, firmaron conVirgin Records, donde permaneció Sylvian como artista de grabación para los próximos veinte años.

La banda sufrió enfrentamientos personales y creativos, especialmente entre Sylvian y Karn, y las tensiones surgen de la relación de Sylvian con Yuka Fujii, una fotógrafa, artista y diseñadora, y la ex novia de Karn.2 Fujii rápidamente se convirtió en una figura de influencia en la vida de Sylvian. Ella fue la primera en introducir a Sylvian en el jazz, que a su vez lo inspiró a seguir caminos musicales que aún no habían sido abiertos para él. También lo alentó a incorporar la disciplina espiritual en su rutina diaria a lo largo de su carrera en solitario, Fujii ha mantenido un papel muy importante en el diseño de las ilustraciones para sus álbumes.

En 1982, Sylvian lanzó su primera colaboración con Ryuichi Sakamoto, titulado “Bamboo Houses/Bamboo Music.” También trabajó con Sakamoto en la canción que ocupó el Top 20 de Reino Unido “Forbidden Colours” Para la película de 1983 Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Oshima.

Su álbum debut, Brilliant Trees (1984), fue aclamado por la crítica. Tuvo la colaboración de Ryuichi Sakamoto, el trompetista y miembro de Can Jon Hassell, y el bajista Holger Czukay.

En 1985, Sylvian lanzó un Mini-Album instrumental llamado Alchemy: An Index of Possibilities, en colaboración con Jansen, Hassell y Czukay, una grabación que, cuando fue re-lanzada en 2003, incluyeron la adición de Steel Cathedrals.

El siguiente lanzamiento fue el ambicioso disco doble Gone to Earth (1986), que además burlo la sabiduría convencional y comercial al presentar un registro de atmosféricas pistas vocales y un segundo disco de instrumentos ambientales. El álbum contiene contribuciones de notables guitarristas como Bill Nelson de Be-Bop Deluxe y Robert Fripp de King Crimson.

Secrets of the Beehive (1987) tuvo un mayor uso de instrumentos acústicos y musicalmente fue orientado hacia las sombrías, emotivas baladas con relucientes arreglos de cuerda por Ryuichi Sakamoto y Brian Gascoigne.El álbum ha producido una de las canciones mejor recibidas de Sylvian “Orpheus,” y fue apoyada más tarde por su primera gira en solitario ‘In Praise of Shamans.’

Sin ajustarse a las expectativas comerciales, Sylvian entonces colabora con Holger Czukay. Plight and Premonition, dado a ver en 1988, y Flux and Mutability, grabado y lanzádo un año después, que también incluyo a los miembros de Can Jaki Liebezeit y Michael Karoli.

En 1990, Sylvian colaborado con los artistas Russell Mills y Ian Walton en elaborar multi-media de instalación utilizando la escultura, luz y sonido titulado Ember Glance – The Permanence of Memory. La exposición fue montada en el museo temporal ‘Space FGO-Soko’ en Tokyo Bay, Shinagawa.3

1990: Rain Tree Crow
También en 1990, Sylvian se reunió con los ex miembros de Japan para un nuevo proyecto. A diferencia de sus trabajos anteriores, Sylvian decidió utilizar los métodos de la improvisación como los que exploró en su trabajo con Czukay. Ingrid Chavez, una artista que firmó con Paisley Park Records, le envió una copia de su primer álbum. Le gustó lo que escuchó y pensó que su voz encajaría bien con algún material que tanto Ryuichi Sakamoto y él estaban trabajando para un nuevo lanzamiento. Chávez y Sylvian desarrollaron rápidamente una fianza y decidieron viajar juntos durante todo el Reino Unido y los EE.UU., donde finalmente se estableció después de casarse en 1992.

1993: con Robert Fripp
A principios de 1990, el guitarrista Robert Fripp, instó a Sylvian para unirse a una nueva versión de los incondicionales del rock progresivo King Crimson. Sylvian rechazó la invitación, pero él y Fripp grabaron el álbum The First Day lanzado en julio de 1993.El álbum mezcló canciones de contenido filosófico de Sylvian y los entrenamientos Funk y estilos de Rock más agresivos al estilo de algunos trabajos de King Crimson. Para capitalizar el éxito del álbum, los músicos volvieron a la carretera en el otoño de 1993.Una grabación en vivo, llamada Damage y lanzada en 1994, fue recogida para la muestra final de la gira.

La colaboración final de Sylvian y Robert Fripp fue la instalación Redemption – Approaching Silence. La exposición se celebró en el Centro de Arte y P3 para el Medio Ambiente en Shinjuku, Tokio, y salió de 30 agosto a 18 septiembre, 1994. La música de acompañamiento fue compuesta por Sylvian, con texto escrito y recitado por Fripp.

A finales del verano de 1995, Sylvian llevó a cabo una gira en solitario de un hombre que llamó ‘Slow Fire – A Personal Retrospective.’

Siguió un período de inactividad musical relativa, durante el cual Sylvian e Ingrid Chávez se trasladaron a Minnesota en Valle de Napa. Chávez había dado a luz a dos hijas, Ameera-Daya (nacido en 1993) e Isabelle (nacido en 1996), y continuó su interés por la fotografía y la música.

2000: Trabajo Reciente
En 1999, Sylvian lanzó su nuevo disco solista llamado Dead Bees on a Cake, donde se reunieron las influencias más eclécticas de todas sus grabaciones, que van desde soul a jazz fusion, de blues a cantos espiritales Orientales, y la mayoría de las letras de las canciones reflejan la paz interior del Sylvian de ahora de 41 años de edad, resultado de su matrimonio, la familia y las creencias. Entre los músicos invitados figuraban viejo amigo Ryuichi Sakamoto, el Tabla de formación clásica Talvin Singh, el guitarrista vanguardista Marc Ribot, el trompetista de Jazz Kenny Wheeler, y el guittarrista de jazz contemporaneo Bill Frisell. Siguiendo Dead Bees, Sylvian se separa Virngin y lanza su propio sello independiente Samadhi Sound. Después lanza el álbum Blemish. Una fusión de estilos, que incluyen Jazz y electrónica, la gira de Sylvian lo había habilitado para realizar la música de su proyecto Nine Horses , así también como una selección de su catalogo pasado.

El 14 de septiembre de 2009 lanzó Manafon en dos ediciones, el álbum fue aclamado por la crítica. Manafon incluye contribuciones de personalidades en como el saxofonista Evan Parker, el multi-instrumentista Otomo Yoshihide, Christian Fennesz, Sachiko M y AMM el guitarrista Keith Rowe, percusionista Eddie Prévost y el pianista John Tilbury. Sylvian declaró sobre el álbum como “una completa forma moderna de música de cámara. Íntimo, dinámico, emotivo, democrático, económico”4

En 2010 lanzó Sleepwalkers, una recopilación de colaboraciones de los ‘00s, en 2011 Died in the Pool, compuesto de variaciones sobre Manafon y en 2012 la recopilación A Victim of Stars 1982-2012.

En 2012 canceló la gira prevista, debido a problemas de salud.

Dead Can Dance

Brendan_Perry_y_Lisa_Gerrard

 

Dead Can Dance es un grupo musical británico-australiano formado en Melbourne en 1981 por el británico Brendan Perry y la australiana Lisa Gerrard. La banda se asentó en Londres en mayo de 1982. Es una de las bandas de culto más importantes de las escenas del rock gótico, dark wave, post-punk y world music.

El historiador de la música australiano Ian McFarlane describe el estilo de Dead Can Dance como “paisajes sonoros construidos de grandeza fascinante y solemne belleza; polirritmias africanas, folklore gaélico, canto gregoriano, mantras de Oriente Medio y arte rupestre”.

Después de haberse disuelto en 1998, la banda se reunió brevemente en 2005 para una gira mundial y se reformó en 2011, publicando un nuevo álbum (Anastasis) y embarcándose en varias giras.

Dead Can Dance se formó en Melbourne en el año 1981 estableciéndose inicialmente en Australia. Al no tener grandes perspectivas de éxito en ese país se trasladaron a Londres donde tras un año firmaron para el legendario sello de rock alternativo 4AD, convirtiéndose en una de sus bandas más importantes. Continuaron trabajando juntos hasta adentrados los años 1990, cuando comenzaron a trabajar por separado. Lisa Gerrard retornó a Australia, mientras Brendan Perry se fue a Irlanda, lugar en que compró una vieja iglesia, Quivy Church, en la cual vive y trabaja.

Asignar un género musical a Dead Can Dance es difícil, puesto que su estilo era particularmente ecléctico. Sin embargo, aunque a menudo sus primeros trabajos son clasificados como música gótica, los propios miembros han desmentido esto. Cada uno de los discos del grupo está influenciado por una o varias culturas, líneas estéticas y movimientos musicales desde lo más antiguo como los cantos gregorianos y la música tradicional Persa, sin embargo siempre mantienen raíces en la música étnica antigua. Sus últimos discos son extraordinariamente diferentes a los tres primeros.

El nombre Dead Can Dance significa poner vida nuevamente dentro de algo que está muerto, o que hace mucho no ha sido utilizado. Algunos de los instrumentos que usan son antiguos o poco frecuentes en la música occidental.

Se separaron temporalmente en 1998 y se reunieron para una gira por Europa, Canadá, Estados Unidos y México en 2005. Y aprovechan para sacar su último disco recopilatorio Memento siguiendo la estela en versión reducida del que editaron en 2001 que se suponía que era su despedida Box Set.

Brendan ha prometido un álbum y una gira para el 2012.2 Cumpliendo su palabra, el 08 de agosto de 2012 arranca la nueva gira mundial que promociona su nuevo álbum Anastasis (2012), también a lanzarse para dicho mes. El dúo está de regreso.

Curiosidades
La canción The Host of Seraphim es la que cierra la película de Stephen King La Niebla también pertenece a la Banda Sonora de Baraka.

 

Atmósfera Sonora I (Nature Sounds)

Incursionando en el campo del arte sonoro y la poesía sonora comparto una de mis primeras construcciones “Atmósfera Sonora I” construida a base de sonidos de la naturaleza, como olas marinas, campanas de viento y una secuencia de flauta de bambú o “Sakuhachi”, creando aparte de un efecto hipnótico, una imagen mental en el escucha tal cual lo haría una metáfora dentro de un poema.

Sin más espero lo disfruten.

Tangerine Dream

Tangerine Dream es una banda alemana de música electrónica que surgió en el marco de la llamada escena krautrock de finales de la década del 60; el grupo fue fundado en 1967 por Edgar Froese.

Fue pionera del ambient, del space rock y del uso de secuenciadores. El músico y compositor Klaus Schulze fue batería del grupo en sus inicios, y desde que abandonó la banda, ésta atravesó una gran cantidad de cambios de alineación, pero la más importante fue la de mediados de los años 1970, compuesta por Froese (quien se convertiría en el único miembro en aparecer en todas las alineaciones), Christopher Franke y Peter Baumann, con la cual editaron algunos de sus álbumes más importantes como “Phaedra” (1974), “Rubycon” (1975) y “Stratosfear” (1976), y especialmente los directos “Ricochet” (1975) y “Encore” (1977). En los años 1980 Johannes Schmoelling reemplazó a Baumann, y esta alineación también fue importante y estable. La banda obtuvo gran parte de su reconocimiento gracias a las bandas sonoras que grabaron para películas como “Sorcerer” (1977) y “Risky Business”.

La música de Tangerine Dream es instrumental (con algunas excepciones como el álbum Cyclone), usualmente basada en el uso de sintetizadores y secuenciadores, y con un sonido “cósmico”. Muy pocos de sus numerosos álbumes no fueron puramente instrumentales, entre ellos se encuentran “Cyclone” (1978) y “Tyger” (1987) (este último tenía poemas de William Blake recitados sobre la música), que se encontraron con el rechazo por parte de los seguidores. Aunque hubo una presencia ocasional de voces en otros de sus LP, como la pista “Kiew Mission” de su álbum de 1981 “Exit”, el grupo sólo volvió a contar con vocalistas en los últimos años, en el tributo a Syd Barrett “Madcap’s Flaming Duty”, y en una trilogía musical basada en “La Divina Comedia” de Dante.

Kraftwerk

Kraftwerk [ˈkʀaftvɛʁk]:

“Central Energética” en alemán, es un proyecto musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras el éxito de su álbum Autobahn en 1974. Fueron elegidos #1 de los mejores artistas de música electrónica de la historia por Discogs 1

Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.