Kitaro

Kitaro (喜多郎 Kitarō), (nacido como Masanori Takahashi (高橋正則 Takahashi Masanori) el 4 de febrero de 1953, en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), es un músico, compositor y multiinstrumentista. Su nombre artístico le fue dado por sus amigos posteriormente, quienes lo sacaron de un personaje de una serie manga de la televisión japonesa llamado Kitarō, de GeGeGe no Kitarō. Es hijo de una familia de granjeros sintoístas.

Inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. “Esta música no proviene de mi mente,” señala. “Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, ‘¿De quién es esta canción?’ Escribo mis temas pero no son mis temas

Mientras asistía al Toyohashi Commercial High School, organizó con unos amigos el grupo Albatross. En esa época, ellos tocaban en fiestas y clubes. Durante la enseñanza secundaria comenzó tocando la guitarra pero luego se cambió al teclado. Justo antes de las actuaciones el baterista tuvo un accidente y Kitaro le sustituyó. Poco tiempo después el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.

Cuando terminó el colegio se fue a Tokio y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocaba el teclado y descubrió el sintetizador. Sus padres se opusieron a que continuase con su carrera musical porque tenían otros planes para él. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.

A principios de los años 70, se dedicó totalmente al teclado. Se unió a la banda Far East Family Band (La Banda de la Familia del Lejano Oriente) y con ella recorrió el mundo. En Europa conoció al músico de sintetizadores alemán y ex miembro de Tangerine Dream Klaus Schulze. Schulze produjo dos álbumes para la banda y le dio a Kitaro consejos en relación al uso de los sintetizadores. En 1976, dejó la banda y viajó por Asia (China, Laos, Tailandia e India).

Al volver a Japón, comenzó su carrera de solista, en 1977. Los primeros dos álbumes Ten Kai y From the Full Moon Storyse convirtieron en obras de culto para los admiradores del naciente movimiento de la Nueva Era. Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.

Kitaro es una persona muy modesta. “La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero“, señaló. “Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua. Desde 1983, su respeto por la naturaleza lleva a Kitaro todos los años a dar las gracias a la Madre Naturaleza con un concierto especial en el Monte Fuji o cerca de su residencia en Colorado. Un día de luna llena de agosto toca un tambor taiko desde el atardecer hasta el amanecer. Frecuentemente sus manos llegan a sangrar.

Pero fue su famosa banda sonora para la serie NHK “Silk Road” la que llamó la atención internacional. Firmó un contrato con Geffen Records para la distribución mundial de sus obras en 1986. En 1987, colaboró con diferentes músicos, como por ejemplo, Micky Hart (Grateful Dead) y Jon Anderson (Yes) y las ventas de sus discos llegaron a 10 millones de copias a nivel mundial. En esa época fue nominado en dos ocasiones al Grammy y ganó un premio en 1994 a la “Mejor Partitura Original” por la banda sonora (de la película “Heaven & Earth”). Su mayor éxito musical fue el Premio Grammy de 2001 por su álbum Thinking of You.

Jean Michel Jarre

Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Es hijo de la enfermera France Pejot y del por entonces desconocido compositor de bandas sonoras Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influido por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, “Le Chat qui Pêche” donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al “Grupo de buscadores musicales de Goldeun”(Groupe de Recherches Musicales), liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier instrumento. Así experimentó en diversos frentes: su primera banda de rock, The Dustbins, donde era vocalista y primera guitarra y logró cierta repercusión al aparecer en la película francesa Des garçons et des filles (1967). Sus primeros singles  La Cage  Erosmachine, Hypnose o Happiness is a Sad Song; colaborando con otros artistas, como la creación de la Pop Corn Orchestra (1971), para interpretar el famoso tema Popcorn (cuyo original de Gershon Kingsleysirvió de base para Oxygène 4); componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo AOR.

King Crimson

King Crimson es una banda de rock progresivo fundada en Londres en 1969. Es considerado uno de los grupos pioneros del rock progresivo de los años 70, y uno de los pilares del género, más allá de su diversificación sonora y mutaciones estilísticas.

La banda ha adoptado diversos sonidos durante su historia, producto de la diversa instrumentación utilizada y ha tenido una gran influencia en muchos artistas de la música contemporánea. Además, ha ganado un gran número de seguidores a pesar de tener poca presencia en la radio, televisión u otros medios de comunicación.

Aunque originaria de Inglaterra, la banda ha tenido una mezcla de personal de Inglaterra y de Estados Unidos desde su reencarnación de 1981. El grupo se caracteriza también por su constante cambio de miembros, llegando a diecinueve el número de músicos que pasaron por sus filas. Robert Fripp, el guitarrista y líder, es el único que forma parte del Rey Carmesí durante toda su larga historia. Desde 1981, la banda ha obtenido mayor estabilidad, siendo Adrian Belew miembro de la misma desde ese año.

La alineación debut del grupo fue muy influyente, pero de corta duración (duró poco más de un año). En 1970 o 1971, King Crimson ya era una banda inestable, con muchos cambios de miembros. En 1972 se alcanzó una mayor estabilidad (con el bajista y vocalista John Wetton) y se desarrolló un sonido que mezclaba hard rock, música clásica y jazz, separándose por primera vez en 1974. La banda volvió a formarse en 1981 durante tres años más (esta vez influido por el new wave y con un estilo completamente diferente), pero volvió a separarse en 1984. Retornó nuevamente después de más de diez años, en 1994, lanzando el álbum THRAK. En el 2000 y en el 2003, se lanzarían los álbumes The ConstruKction of Light y The Power to Believe, respectivamente.

King Crimson se ha caracterizado por largos períodos de inactividad, decisión emanada de Robert Fripp. Tras diez años sin actividad, solo rotos por una mini-gira en 2008, Fripp ha anunciado una nueva formación del grupo que empezará a funcionar en 2014. El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B’il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.

Robert Fripp ha sido el único factor común de todos los discos y todas las alineaciones de King Crimson, aunque él no se considera a sí mismo como líder. Para él, King Crimson es “una manera de hacer cosas” y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.

David Sylvian

David Sylvian (nacido David Alan Batt el 23 de febrero de 1958 Beckenham, Kent) es un reconocido cantante, músico y compositor británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros.Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música. Su posterior carrera solista fue descrita por el crítico Jason Ankeny1 como “una carrera esotérica y de largo alcance que abarca no sólo proyectos en solitario, sino también una serie de fascinantes actividades de colaboración.” El trabajo solista de Sylvian ha sido influenciado por una gran variedad de géneros y estilos musicales , que incluyen jazz, avant-garde , ambient, Música electrónica, Rock progresivo y música de cámara.

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero. En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum. ´ Durante un período de pocos años su música se volvió más sofisticada, recurriendo en primer lugar al art rock al estilo de Roxy Music.Su imagen visual fue evolucionando y fue etiquetada como New Romantic .De hecho, se podría argumentar que Japan estaba a la vanguardia de todo el movimiento New Romantic, aunque la banda nunca se asocia con él. Japan grabó cinco ábumes entre 1978 y noviembre de 1981. En 1980, firmaron conVirgin Records, donde permaneció Sylvian como artista de grabación para los próximos veinte años.

La banda sufrió enfrentamientos personales y creativos, especialmente entre Sylvian y Karn, y las tensiones surgen de la relación de Sylvian con Yuka Fujii, una fotógrafa, artista y diseñadora, y la ex novia de Karn.2 Fujii rápidamente se convirtió en una figura de influencia en la vida de Sylvian. Ella fue la primera en introducir a Sylvian en el jazz, que a su vez lo inspiró a seguir caminos musicales que aún no habían sido abiertos para él. También lo alentó a incorporar la disciplina espiritual en su rutina diaria a lo largo de su carrera en solitario, Fujii ha mantenido un papel muy importante en el diseño de las ilustraciones para sus álbumes.

En 1982, Sylvian lanzó su primera colaboración con Ryuichi Sakamoto, titulado “Bamboo Houses/Bamboo Music.” También trabajó con Sakamoto en la canción que ocupó el Top 20 de Reino Unido “Forbidden Colours” Para la película de 1983 Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Oshima.

Su álbum debut, Brilliant Trees (1984), fue aclamado por la crítica. Tuvo la colaboración de Ryuichi Sakamoto, el trompetista y miembro de Can Jon Hassell, y el bajista Holger Czukay.

En 1985, Sylvian lanzó un Mini-Album instrumental llamado Alchemy: An Index of Possibilities, en colaboración con Jansen, Hassell y Czukay, una grabación que, cuando fue re-lanzada en 2003, incluyeron la adición de Steel Cathedrals.

El siguiente lanzamiento fue el ambicioso disco doble Gone to Earth (1986), que además burlo la sabiduría convencional y comercial al presentar un registro de atmosféricas pistas vocales y un segundo disco de instrumentos ambientales. El álbum contiene contribuciones de notables guitarristas como Bill Nelson de Be-Bop Deluxe y Robert Fripp de King Crimson.

Secrets of the Beehive (1987) tuvo un mayor uso de instrumentos acústicos y musicalmente fue orientado hacia las sombrías, emotivas baladas con relucientes arreglos de cuerda por Ryuichi Sakamoto y Brian Gascoigne.El álbum ha producido una de las canciones mejor recibidas de Sylvian “Orpheus,” y fue apoyada más tarde por su primera gira en solitario ‘In Praise of Shamans.’

Sin ajustarse a las expectativas comerciales, Sylvian entonces colabora con Holger Czukay. Plight and Premonition, dado a ver en 1988, y Flux and Mutability, grabado y lanzádo un año después, que también incluyo a los miembros de Can Jaki Liebezeit y Michael Karoli.

En 1990, Sylvian colaborado con los artistas Russell Mills y Ian Walton en elaborar multi-media de instalación utilizando la escultura, luz y sonido titulado Ember Glance – The Permanence of Memory. La exposición fue montada en el museo temporal ‘Space FGO-Soko’ en Tokyo Bay, Shinagawa.3

1990: Rain Tree Crow
También en 1990, Sylvian se reunió con los ex miembros de Japan para un nuevo proyecto. A diferencia de sus trabajos anteriores, Sylvian decidió utilizar los métodos de la improvisación como los que exploró en su trabajo con Czukay. Ingrid Chavez, una artista que firmó con Paisley Park Records, le envió una copia de su primer álbum. Le gustó lo que escuchó y pensó que su voz encajaría bien con algún material que tanto Ryuichi Sakamoto y él estaban trabajando para un nuevo lanzamiento. Chávez y Sylvian desarrollaron rápidamente una fianza y decidieron viajar juntos durante todo el Reino Unido y los EE.UU., donde finalmente se estableció después de casarse en 1992.

1993: con Robert Fripp
A principios de 1990, el guitarrista Robert Fripp, instó a Sylvian para unirse a una nueva versión de los incondicionales del rock progresivo King Crimson. Sylvian rechazó la invitación, pero él y Fripp grabaron el álbum The First Day lanzado en julio de 1993.El álbum mezcló canciones de contenido filosófico de Sylvian y los entrenamientos Funk y estilos de Rock más agresivos al estilo de algunos trabajos de King Crimson. Para capitalizar el éxito del álbum, los músicos volvieron a la carretera en el otoño de 1993.Una grabación en vivo, llamada Damage y lanzada en 1994, fue recogida para la muestra final de la gira.

La colaboración final de Sylvian y Robert Fripp fue la instalación Redemption – Approaching Silence. La exposición se celebró en el Centro de Arte y P3 para el Medio Ambiente en Shinjuku, Tokio, y salió de 30 agosto a 18 septiembre, 1994. La música de acompañamiento fue compuesta por Sylvian, con texto escrito y recitado por Fripp.

A finales del verano de 1995, Sylvian llevó a cabo una gira en solitario de un hombre que llamó ‘Slow Fire – A Personal Retrospective.’

Siguió un período de inactividad musical relativa, durante el cual Sylvian e Ingrid Chávez se trasladaron a Minnesota en Valle de Napa. Chávez había dado a luz a dos hijas, Ameera-Daya (nacido en 1993) e Isabelle (nacido en 1996), y continuó su interés por la fotografía y la música.

2000: Trabajo Reciente
En 1999, Sylvian lanzó su nuevo disco solista llamado Dead Bees on a Cake, donde se reunieron las influencias más eclécticas de todas sus grabaciones, que van desde soul a jazz fusion, de blues a cantos espiritales Orientales, y la mayoría de las letras de las canciones reflejan la paz interior del Sylvian de ahora de 41 años de edad, resultado de su matrimonio, la familia y las creencias. Entre los músicos invitados figuraban viejo amigo Ryuichi Sakamoto, el Tabla de formación clásica Talvin Singh, el guitarrista vanguardista Marc Ribot, el trompetista de Jazz Kenny Wheeler, y el guittarrista de jazz contemporaneo Bill Frisell. Siguiendo Dead Bees, Sylvian se separa Virngin y lanza su propio sello independiente Samadhi Sound. Después lanza el álbum Blemish. Una fusión de estilos, que incluyen Jazz y electrónica, la gira de Sylvian lo había habilitado para realizar la música de su proyecto Nine Horses , así también como una selección de su catalogo pasado.

El 14 de septiembre de 2009 lanzó Manafon en dos ediciones, el álbum fue aclamado por la crítica. Manafon incluye contribuciones de personalidades en como el saxofonista Evan Parker, el multi-instrumentista Otomo Yoshihide, Christian Fennesz, Sachiko M y AMM el guitarrista Keith Rowe, percusionista Eddie Prévost y el pianista John Tilbury. Sylvian declaró sobre el álbum como “una completa forma moderna de música de cámara. Íntimo, dinámico, emotivo, democrático, económico”4

En 2010 lanzó Sleepwalkers, una recopilación de colaboraciones de los ‘00s, en 2011 Died in the Pool, compuesto de variaciones sobre Manafon y en 2012 la recopilación A Victim of Stars 1982-2012.

En 2012 canceló la gira prevista, debido a problemas de salud.

Música desde Palestina

 

 

Este documental muestra lo que hace la nueva generación de músicos palestinos como aporte para la toma de conciencia colectiva acerca de su situación social, política y económica. De su actual relación con el pueblo y gobierno judío y de qué es lo que aspiran las nuevas generaciones de palestinos.

 

Vangelis

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Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (Volos, 29 de marzo de 1943), es un afamado teclista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 1970.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986).

Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia.

En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.

La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que Vangelis, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Debuta en el mercado discográfico como teclista del grupo The Forminx, una de las muchas bandas juveniles que se forman a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles. En 1966 Vangelis tiene la oportunidad de realizar la banda sonora de 5.000 psemmata (5.000 mentiras), una comedia del director Giorgos Konstadinou.1

Más tarde, Vangelis entra a formar parte de la banda de rock progresivo y pop psicodélico Aphrodite’s Child, junto a Demis Roussos en bajo y voz (primo del artista), y Lucas Sideras en batería. El trío consigue notables éxitos -sobre todo en Europa- con temas como Spring Summer Winter and Fall, Rain and Tears y Let Me Love, Let Me Live. Los Aphrodite’s Child publican tres álbumes de estudio, siendo el más destacado 666 (The Apocalypse of John, 13/18), un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les vale el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico, y por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra.

En uno de los temas, la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase “do it”, “hazlo”, que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí. El rumbo experimental impuesto en este último disco por Vangelis, espina dorsal de los Aphrodite’s Child, trae como resultado la separación del grupo. A partir de este momento, el tecladista iniciará una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevará a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.

Es en esta época cuando Vangelis publica varios singles bajo pseudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.

En 2001, la NASA se pone en contacto con Vangelis para encargarle la composición de un tema que sirva de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. El encargo deriva en el álbum Mythodea, en parte basado en una obra anterior del artista no publicada oficialmente. Mythodea es presentado en directo en Atenas, y el evento supone la primera edición de una obra de Vangelis -poco pródigo en conciertos, por otra parte- en formato DVD. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 de Corea y Japón, compuesto e interpretado por el artista.

Circulan también rumores sobre la participación de Vangelis en la película Matrix Reloaded. No se sabe si Vangelis había creado temas originales para ella o si se pensaba utilizar temas clásicos de sus álbumes, aunque finalmente el músico aparece totalmente desligado del proyecto.

En 2005 sale al mercado la banda sonora original de Alejandro Magno (Alexander), de Oliver Stone, un trabajo muy ambicioso en el que el sonido de Vangelis se mezcla con el de una orquesta sinfónica completa. Una de sus pistas, Roxanne’s Veil, había aparecido anteriormente en un álbum de Vanessa Mae, cuyo violín interpreta la melodía principal. Resultó enigmática la ausencia del músico griego en las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas el año anterior, y al parecer esto se debió al trabajo que estaba realizando para la película de Stone. La posterior aparición de Alexander, the Final Cut revela que la partitura de Vangelis era mucho más extensa que la publicada en el álbum. Vangelis asegura sentirse atraído desde un principio hacia esta obra por la evidente herencia cultural que, como griego, le vincula al personaje principal de la misma.

A lo largo de 2007 aparecen en el mercado dos nuevos discos de Vangelis, el primero en homenaje a Blade Runner en el 25º aniversario de su estreno, y coincidiendo con el reestreno en cine y DVD de su versión definitiva (la quinta). El disco, llamado BR 25, expande el universo musical de la película con temas en los que colaboran Roman Polanski, Oliver Stone y Ridley Scott, entre otros personajes del mundo de la cultura y la política internacional. Forma parte de un estuche titulado Blade Runner Trilogy, y contiene también el álbum Blade Runner de 1994, junto a un tercer disco con temas de la película nunca publicados oficialmente. El segundo trabajo de 2007 es la banda sonora original de El Greco, coproducción hispano-griega sobre la vida y obra del pintor que le da título. Ha de tenerse en cuenta que la música contenida en este álbum nada tiene que ver con la de El Greco de 1998. Esta obra, editada (en principio) sólo en Grecia, supone la segunda colaboración de Vangelis con el director Yannis Smaragdis tras Cavafy, para la que también compuso su partitura.

En 2008, Vangelis aporta tres nuevas piezas musicales para los títulos iniciales y finales de Swiadectwo (o Testimony), un filme documental polaco sobre Juan Pablo II.

En enero de 2013 circularon rumores sobre su muerte en las redes sociales Facebook y Twitter, los cuales resultaron ser absolutamente falsos.

TOTO

Toto es una banda estadounidense de rock formada en 1976 por músicos de sesión proveniente de Los Ángeles. La agrupación combina diferentes estilos musicales como el blues, rock, pop, jazz y funk. Actualmente está formada por Steve Lukather, Keith Carlock, Joseph Williams, Steve Porcaro y David Paich.

La banda ha realizado a la fecha 19 álbumes: 13 álbumes de estudio, 4 en vivo, 1 bandas sonoras (Dune) y su más destacada compilación que cuenta con 4 canciones inéditas (Past to Present).

Han vendido más de 35 millones de discos. Y han sido nominados en 10 ocasiones a los premios Grammy, incluyendo categoría: Mejor banda nueva, Disco del año, Producción del año, Grabación del año, llevándose el galardón en 6 ocasiones en una misma jornada en la 25a edición de los premios en el año 1983, estableciendo el récord de la banda que más Grammys se ha llevado en una ceremonia con el disco Toto IV.

Su último disco de estudio fue lanzado en el 2006, titulado Falling in Between. Con el lanzamiento del disco, Toto comenzó a hacer tours extensos por todo los continentes, denominado: Tour Falling in Between. En base a los tours que se hicieron entre el 2006 y el 2008, lanzaron su último trabajo en vivo titulado Falling In Between Live.

En 2008, Steve Lukather anunciaba en su página web que Toto se separaría definitivamente. Y lo que sería una separación definitiva, terminó siendo un receso de tan sólo dos años para la banda, porque se reunieron en el año 2010 para realizar una gira por Europa con el fin de recaudar dinero para Mike Porcaro, bajista original al cual se le diagnosticó Esclerosis lateral amiotrófica1 , y que debió dejar la banda en pleno tour Falling in Between, siendo reemplazado por el veterano bajista y músico de sesión: Leland Sklar.

La noticia de la reformación y de una nueva gira sorprendió a los fans debido a que no fueron citados Bobby Kimball -voz original de la banda-, ni Greg Phillinganes -quién tocó en el disco Falling in Between y los acompañó en la gira promocional del disco-. Sin embargo, se reintegraron antiguos y originales miembros como es el caso de los tecladistas David Paich y Steve Porcaro y del vocalista Joseph Williams, quién cantó en los discos Fahrenheit y The Seventh One.

Actualmente harán una gira en 2013 para celebrar sus 35 años de carrera desde el lanzamiento de su primer disco homónimo y con la finalidad de recaudar dinero para el distanciado bajista del grupo. Esta vez quién reemplazará al bajista sería el músico de sesión Nathan East, que ha tocado con la banda desde que se volvieron a reunir.

Junto a Journey, Foreigner y Boston, lideraron el movimiento de soft rock o rock melódico en Estados Unidos y el resto del mundo en la década de los ochentas.

Richard Galliano

Richard Galliano (Cannes, 12 de diciembre de 1950) es un compositor musical y acordeonista franco-italiano de jazz.

Comenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que le introdujo en el mundo del jazz. Siguió sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, dirigido entonces por el organista Pedro Cochereau. Allí tomó clases de contrapunto, armonía y trombón.

En 1983, Astor Piazzolla invita a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa inspirada en el Sueño de una noche de verano (de William Shakespeare) con música original de Piazzolla escrita sobre una puesta en escena de Jorge Lavelli. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Astor Piazzolla en 1992.

Ibrahim Maalouf

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Ibrahim nace en una familia de intelectuales y artistas: hijo del trompetista Nassim Maalouf y de la pianista Nada Maalouf, sobrino del escritor Amin Maalouf, nieto de Rushdi Maalouf, periodista, poeta y musicólogo. Ibrahim Maalouf es el único trompetista en el mundo que interpreta música árabe con una trompeta muy especial de cuatro tonos, inventada por su padre en los años sesenta. Gana premios en los concursos de trompeta clásica más importantes del mundo. En julio de 2010, se le otorga la Victoire de la Révélation Instrumentale del año (premio Frank Ténot) en las “Victoires du Jazz” en Juan-les-Pins, Francia.

Huyó con su familia en plena guerra civil libanesa y creció en un barrio de las afueras de París con sus padres y su hermana Layla de dos años mayor que él. Allí hace sus estudios hasta los 17 años y obtiene un bachillerato científico especializado en matemáticas en el instituto Geoffroy-Saint-Hilaire de Etampes (departamento: Essonne).

Comienza sus estudios de trompeta a los 7 años con su padre Nassim Maalouf, antiguo alumno de Maurice André en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París. Luego, su padre le enseña también la técnica clásica, el repertorio barroco, clásico, moderno, contemporáneo y la música clásica árabe además del arte de la improvisación y de los modos árabes. En efecto, su padre es el inventor de la trompeta de microtonos llamada de “ cuartos de tono” que permite interpretar los makams, la antigua música tradicional árabe. Otra particularidad, Ibrahim empezó a tocar la trompeta pícolo muy joven. Desde los 9 años acompaña a su padre a dúo por Europa y por el Oriente Medio con un repertorio barroco de Vivaldi, Purcell, Albinoni, etc. De este modo descubre al público y al revés el público lo descubre a él poco a poco. A los 15 años, Ibrahim llama la atención de los profesionales en un concierto con una orquesta de cámara ya que interpreta el Segundo Concierto de Brandeburgo de Bach. Numerosos trompetistas consideran que esta obra es la más difícil en el repertorio para trompeta clásica. Unos años más tarde, Ibrahim encuentra a Maurice André: lo anima a convertirse en profesional de la trompeta. Ibrahim decide entonces dejar los estudios científicos para dedicarse definitivamente a la música.

Ibrahim compone desde muy pequeño. Presenta sus composiciones por primera vez tan sólo en 1999. Su primer grupo “Farah” tenía un color Jazz’Oriental bastante pronunciado ya que le acompañaban un saxófono, un ney, una flauta travesera, un piano, un contrabajo, una guitarra, un buzuk e instrumentos de percusión árabes. Fue difundida una grabación de este grupo por cadenas musicales entre 2004 y 2005. El grupo hizo ensayos en estudios pero no hubo ningún disco.

En 2004, su encuentro con Lhasa de Sela le abre la puerta hacia el mundo electro. Sus colaboraciones con cantantes de pop y de rock le dan a descubrir otros colores además del jazz, del clásico y de la música árabe. Poco a poco Ibrahim cambia de rumbo en sus composiciones hacia un universo más actual. En 2006, después de numerosos intentos y ensayos musicales, encuentra a Alejandra Norambuena Skira (Fonds d’action SACEM: mecenazgo para artistas). Ella le presenta al productor Jean-Louis Perrier. Éste le ayuda a montar un grupo con el que actúa en concierto el 12 de febrero de 2006 en la sala del New Morning en París. Con este concierto toma posesión de la escena francesa de Jazz’Electro Oriental Rock.

En su música y en su manera de tocar la trompeta se inspira principalmente en su cultura de origen árabe, pero la instrumentación que le acompaña (bajo, guitarra eléctrica, batería, instrumentos de percusión árabes y vibráfono) y los músicos con quienes actúa permiten dar un color más rockero, electro y Jazz Funk más actual a su música.

Sus conciertos se basan en músicas animadas que dan ganas de bailar. Sin embargo, siempre hay una parte más meditativa, más mística en el concierto a la que le gusta llamar “oración universal”.

Ibrahim se inspira mucho en su cultura de origen. Este tema ha sido tratado en el documental Souffle ! realizado por Christophe Trahand entre 2005 y 2006, producido por Cocottes Minutes. Christophe Trahand siguió a Ibrahim durante algunos meses en busca de su inspiración, de su relación con su país original y la distancia que le aparta de ello. Este documental muy poético ha sido difundido en TV5MONDE y está disponible en DVD en la colección Docnet films.

Concert for George

Concierto homenaje al ex-beatle George Harrison en el primer aniversario de su partida aquí reconocidos músicos y amigos le rinden un sentido tributo al músico, compositor y quizás uno de los pecursores del movimiento del “Worldmusic” ya que a partir de 1965 es el primero en agregar elementos tradicionales de la música india a la de los Beatles dándole así una nueva dimensión al naciente rock & roll en la década de los 60.