Kitaro

Kitaro (喜多郎 Kitarō), (nacido como Masanori Takahashi (高橋正則 Takahashi Masanori) el 4 de febrero de 1953, en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), es un músico, compositor y multiinstrumentista. Su nombre artístico le fue dado por sus amigos posteriormente, quienes lo sacaron de un personaje de una serie manga de la televisión japonesa llamado Kitarō, de GeGeGe no Kitarō. Es hijo de una familia de granjeros sintoístas.

Inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. “Esta música no proviene de mi mente,” señala. “Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, ‘¿De quién es esta canción?’ Escribo mis temas pero no son mis temas

Mientras asistía al Toyohashi Commercial High School, organizó con unos amigos el grupo Albatross. En esa época, ellos tocaban en fiestas y clubes. Durante la enseñanza secundaria comenzó tocando la guitarra pero luego se cambió al teclado. Justo antes de las actuaciones el baterista tuvo un accidente y Kitaro le sustituyó. Poco tiempo después el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.

Cuando terminó el colegio se fue a Tokio y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocaba el teclado y descubrió el sintetizador. Sus padres se opusieron a que continuase con su carrera musical porque tenían otros planes para él. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.

A principios de los años 70, se dedicó totalmente al teclado. Se unió a la banda Far East Family Band (La Banda de la Familia del Lejano Oriente) y con ella recorrió el mundo. En Europa conoció al músico de sintetizadores alemán y ex miembro de Tangerine Dream Klaus Schulze. Schulze produjo dos álbumes para la banda y le dio a Kitaro consejos en relación al uso de los sintetizadores. En 1976, dejó la banda y viajó por Asia (China, Laos, Tailandia e India).

Al volver a Japón, comenzó su carrera de solista, en 1977. Los primeros dos álbumes Ten Kai y From the Full Moon Storyse convirtieron en obras de culto para los admiradores del naciente movimiento de la Nueva Era. Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.

Kitaro es una persona muy modesta. “La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero“, señaló. “Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua. Desde 1983, su respeto por la naturaleza lleva a Kitaro todos los años a dar las gracias a la Madre Naturaleza con un concierto especial en el Monte Fuji o cerca de su residencia en Colorado. Un día de luna llena de agosto toca un tambor taiko desde el atardecer hasta el amanecer. Frecuentemente sus manos llegan a sangrar.

Pero fue su famosa banda sonora para la serie NHK “Silk Road” la que llamó la atención internacional. Firmó un contrato con Geffen Records para la distribución mundial de sus obras en 1986. En 1987, colaboró con diferentes músicos, como por ejemplo, Micky Hart (Grateful Dead) y Jon Anderson (Yes) y las ventas de sus discos llegaron a 10 millones de copias a nivel mundial. En esa época fue nominado en dos ocasiones al Grammy y ganó un premio en 1994 a la “Mejor Partitura Original” por la banda sonora (de la película “Heaven & Earth”). Su mayor éxito musical fue el Premio Grammy de 2001 por su álbum Thinking of You.

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Jean Michel Jarre

Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Es hijo de la enfermera France Pejot y del por entonces desconocido compositor de bandas sonoras Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influido por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, “Le Chat qui Pêche” donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al “Grupo de buscadores musicales de Goldeun”(Groupe de Recherches Musicales), liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier instrumento. Así experimentó en diversos frentes: su primera banda de rock, The Dustbins, donde era vocalista y primera guitarra y logró cierta repercusión al aparecer en la película francesa Des garçons et des filles (1967). Sus primeros singles  La Cage  Erosmachine, Hypnose o Happiness is a Sad Song; colaborando con otros artistas, como la creación de la Pop Corn Orchestra (1971), para interpretar el famoso tema Popcorn (cuyo original de Gershon Kingsleysirvió de base para Oxygène 4); componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo AOR.

Vangelis

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Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (Volos, 29 de marzo de 1943), es un afamado teclista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 1970.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986).

Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia.

En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.

La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que Vangelis, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Debuta en el mercado discográfico como teclista del grupo The Forminx, una de las muchas bandas juveniles que se forman a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles. En 1966 Vangelis tiene la oportunidad de realizar la banda sonora de 5.000 psemmata (5.000 mentiras), una comedia del director Giorgos Konstadinou.1

Más tarde, Vangelis entra a formar parte de la banda de rock progresivo y pop psicodélico Aphrodite’s Child, junto a Demis Roussos en bajo y voz (primo del artista), y Lucas Sideras en batería. El trío consigue notables éxitos -sobre todo en Europa- con temas como Spring Summer Winter and Fall, Rain and Tears y Let Me Love, Let Me Live. Los Aphrodite’s Child publican tres álbumes de estudio, siendo el más destacado 666 (The Apocalypse of John, 13/18), un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les vale el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico, y por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra.

En uno de los temas, la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase “do it”, “hazlo”, que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí. El rumbo experimental impuesto en este último disco por Vangelis, espina dorsal de los Aphrodite’s Child, trae como resultado la separación del grupo. A partir de este momento, el tecladista iniciará una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevará a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.

Es en esta época cuando Vangelis publica varios singles bajo pseudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.

En 2001, la NASA se pone en contacto con Vangelis para encargarle la composición de un tema que sirva de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. El encargo deriva en el álbum Mythodea, en parte basado en una obra anterior del artista no publicada oficialmente. Mythodea es presentado en directo en Atenas, y el evento supone la primera edición de una obra de Vangelis -poco pródigo en conciertos, por otra parte- en formato DVD. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 de Corea y Japón, compuesto e interpretado por el artista.

Circulan también rumores sobre la participación de Vangelis en la película Matrix Reloaded. No se sabe si Vangelis había creado temas originales para ella o si se pensaba utilizar temas clásicos de sus álbumes, aunque finalmente el músico aparece totalmente desligado del proyecto.

En 2005 sale al mercado la banda sonora original de Alejandro Magno (Alexander), de Oliver Stone, un trabajo muy ambicioso en el que el sonido de Vangelis se mezcla con el de una orquesta sinfónica completa. Una de sus pistas, Roxanne’s Veil, había aparecido anteriormente en un álbum de Vanessa Mae, cuyo violín interpreta la melodía principal. Resultó enigmática la ausencia del músico griego en las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas el año anterior, y al parecer esto se debió al trabajo que estaba realizando para la película de Stone. La posterior aparición de Alexander, the Final Cut revela que la partitura de Vangelis era mucho más extensa que la publicada en el álbum. Vangelis asegura sentirse atraído desde un principio hacia esta obra por la evidente herencia cultural que, como griego, le vincula al personaje principal de la misma.

A lo largo de 2007 aparecen en el mercado dos nuevos discos de Vangelis, el primero en homenaje a Blade Runner en el 25º aniversario de su estreno, y coincidiendo con el reestreno en cine y DVD de su versión definitiva (la quinta). El disco, llamado BR 25, expande el universo musical de la película con temas en los que colaboran Roman Polanski, Oliver Stone y Ridley Scott, entre otros personajes del mundo de la cultura y la política internacional. Forma parte de un estuche titulado Blade Runner Trilogy, y contiene también el álbum Blade Runner de 1994, junto a un tercer disco con temas de la película nunca publicados oficialmente. El segundo trabajo de 2007 es la banda sonora original de El Greco, coproducción hispano-griega sobre la vida y obra del pintor que le da título. Ha de tenerse en cuenta que la música contenida en este álbum nada tiene que ver con la de El Greco de 1998. Esta obra, editada (en principio) sólo en Grecia, supone la segunda colaboración de Vangelis con el director Yannis Smaragdis tras Cavafy, para la que también compuso su partitura.

En 2008, Vangelis aporta tres nuevas piezas musicales para los títulos iniciales y finales de Swiadectwo (o Testimony), un filme documental polaco sobre Juan Pablo II.

En enero de 2013 circularon rumores sobre su muerte en las redes sociales Facebook y Twitter, los cuales resultaron ser absolutamente falsos.

Dead Can Dance

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Dead Can Dance es un grupo musical británico-australiano formado en Melbourne en 1981 por el británico Brendan Perry y la australiana Lisa Gerrard. La banda se asentó en Londres en mayo de 1982. Es una de las bandas de culto más importantes de las escenas del rock gótico, dark wave, post-punk y world music.

El historiador de la música australiano Ian McFarlane describe el estilo de Dead Can Dance como “paisajes sonoros construidos de grandeza fascinante y solemne belleza; polirritmias africanas, folklore gaélico, canto gregoriano, mantras de Oriente Medio y arte rupestre”.

Después de haberse disuelto en 1998, la banda se reunió brevemente en 2005 para una gira mundial y se reformó en 2011, publicando un nuevo álbum (Anastasis) y embarcándose en varias giras.

Dead Can Dance se formó en Melbourne en el año 1981 estableciéndose inicialmente en Australia. Al no tener grandes perspectivas de éxito en ese país se trasladaron a Londres donde tras un año firmaron para el legendario sello de rock alternativo 4AD, convirtiéndose en una de sus bandas más importantes. Continuaron trabajando juntos hasta adentrados los años 1990, cuando comenzaron a trabajar por separado. Lisa Gerrard retornó a Australia, mientras Brendan Perry se fue a Irlanda, lugar en que compró una vieja iglesia, Quivy Church, en la cual vive y trabaja.

Asignar un género musical a Dead Can Dance es difícil, puesto que su estilo era particularmente ecléctico. Sin embargo, aunque a menudo sus primeros trabajos son clasificados como música gótica, los propios miembros han desmentido esto. Cada uno de los discos del grupo está influenciado por una o varias culturas, líneas estéticas y movimientos musicales desde lo más antiguo como los cantos gregorianos y la música tradicional Persa, sin embargo siempre mantienen raíces en la música étnica antigua. Sus últimos discos son extraordinariamente diferentes a los tres primeros.

El nombre Dead Can Dance significa poner vida nuevamente dentro de algo que está muerto, o que hace mucho no ha sido utilizado. Algunos de los instrumentos que usan son antiguos o poco frecuentes en la música occidental.

Se separaron temporalmente en 1998 y se reunieron para una gira por Europa, Canadá, Estados Unidos y México en 2005. Y aprovechan para sacar su último disco recopilatorio Memento siguiendo la estela en versión reducida del que editaron en 2001 que se suponía que era su despedida Box Set.

Brendan ha prometido un álbum y una gira para el 2012.2 Cumpliendo su palabra, el 08 de agosto de 2012 arranca la nueva gira mundial que promociona su nuevo álbum Anastasis (2012), también a lanzarse para dicho mes. El dúo está de regreso.

Curiosidades
La canción The Host of Seraphim es la que cierra la película de Stephen King La Niebla también pertenece a la Banda Sonora de Baraka.

 

Ibrahim Maalouf

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Ibrahim nace en una familia de intelectuales y artistas: hijo del trompetista Nassim Maalouf y de la pianista Nada Maalouf, sobrino del escritor Amin Maalouf, nieto de Rushdi Maalouf, periodista, poeta y musicólogo. Ibrahim Maalouf es el único trompetista en el mundo que interpreta música árabe con una trompeta muy especial de cuatro tonos, inventada por su padre en los años sesenta. Gana premios en los concursos de trompeta clásica más importantes del mundo. En julio de 2010, se le otorga la Victoire de la Révélation Instrumentale del año (premio Frank Ténot) en las “Victoires du Jazz” en Juan-les-Pins, Francia.

Huyó con su familia en plena guerra civil libanesa y creció en un barrio de las afueras de París con sus padres y su hermana Layla de dos años mayor que él. Allí hace sus estudios hasta los 17 años y obtiene un bachillerato científico especializado en matemáticas en el instituto Geoffroy-Saint-Hilaire de Etampes (departamento: Essonne).

Comienza sus estudios de trompeta a los 7 años con su padre Nassim Maalouf, antiguo alumno de Maurice André en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París. Luego, su padre le enseña también la técnica clásica, el repertorio barroco, clásico, moderno, contemporáneo y la música clásica árabe además del arte de la improvisación y de los modos árabes. En efecto, su padre es el inventor de la trompeta de microtonos llamada de “ cuartos de tono” que permite interpretar los makams, la antigua música tradicional árabe. Otra particularidad, Ibrahim empezó a tocar la trompeta pícolo muy joven. Desde los 9 años acompaña a su padre a dúo por Europa y por el Oriente Medio con un repertorio barroco de Vivaldi, Purcell, Albinoni, etc. De este modo descubre al público y al revés el público lo descubre a él poco a poco. A los 15 años, Ibrahim llama la atención de los profesionales en un concierto con una orquesta de cámara ya que interpreta el Segundo Concierto de Brandeburgo de Bach. Numerosos trompetistas consideran que esta obra es la más difícil en el repertorio para trompeta clásica. Unos años más tarde, Ibrahim encuentra a Maurice André: lo anima a convertirse en profesional de la trompeta. Ibrahim decide entonces dejar los estudios científicos para dedicarse definitivamente a la música.

Ibrahim compone desde muy pequeño. Presenta sus composiciones por primera vez tan sólo en 1999. Su primer grupo “Farah” tenía un color Jazz’Oriental bastante pronunciado ya que le acompañaban un saxófono, un ney, una flauta travesera, un piano, un contrabajo, una guitarra, un buzuk e instrumentos de percusión árabes. Fue difundida una grabación de este grupo por cadenas musicales entre 2004 y 2005. El grupo hizo ensayos en estudios pero no hubo ningún disco.

En 2004, su encuentro con Lhasa de Sela le abre la puerta hacia el mundo electro. Sus colaboraciones con cantantes de pop y de rock le dan a descubrir otros colores además del jazz, del clásico y de la música árabe. Poco a poco Ibrahim cambia de rumbo en sus composiciones hacia un universo más actual. En 2006, después de numerosos intentos y ensayos musicales, encuentra a Alejandra Norambuena Skira (Fonds d’action SACEM: mecenazgo para artistas). Ella le presenta al productor Jean-Louis Perrier. Éste le ayuda a montar un grupo con el que actúa en concierto el 12 de febrero de 2006 en la sala del New Morning en París. Con este concierto toma posesión de la escena francesa de Jazz’Electro Oriental Rock.

En su música y en su manera de tocar la trompeta se inspira principalmente en su cultura de origen árabe, pero la instrumentación que le acompaña (bajo, guitarra eléctrica, batería, instrumentos de percusión árabes y vibráfono) y los músicos con quienes actúa permiten dar un color más rockero, electro y Jazz Funk más actual a su música.

Sus conciertos se basan en músicas animadas que dan ganas de bailar. Sin embargo, siempre hay una parte más meditativa, más mística en el concierto a la que le gusta llamar “oración universal”.

Ibrahim se inspira mucho en su cultura de origen. Este tema ha sido tratado en el documental Souffle ! realizado por Christophe Trahand entre 2005 y 2006, producido por Cocottes Minutes. Christophe Trahand siguió a Ibrahim durante algunos meses en busca de su inspiración, de su relación con su país original y la distancia que le aparta de ello. Este documental muy poético ha sido difundido en TV5MONDE y está disponible en DVD en la colección Docnet films.

Robert Fripp

Robert Fripp (n. 16 de mayo de 1946),

Guitarrista que se hizo famoso por su trabajo con el grupo King Crimson.

Nació en Wimborne Minster, un pueblo del condado de Dorset, al sur de Inglaterra. Comenzó a tocar la guitarra a los 11 años de edad. Después de participar en varias bandas desde los 14 años, se convierte a fines de la década de los años 1960 en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson, También famoso por su singular técnica conocida como frippertronics.

Actualmente es considerado uno de los guitarristas más influyentes del rock de vanguardia, desarrollando un virtuosismo propio, técnico, superior e innovador que es notable respecto a sus contemporáneos colegas guitarristas de cualquier otra banda.

Fripp está casado desde 1986 con Toyah Willcox, cantante punk y actriz.

Klaus Schulze

Klaus Schulze (Berlín, 4 de agosto de 1947)

Es un compositor alemán de música electrónica e intérprete musical. Ha utilizado también el seudónimo de Richard Wahnfried.

Fue durante un breve periodo de tiempo miembro de bandas de música electrónica como Tangerine Dream o Ash Ra Tempel antes de iniciar una carrera en solitario que consta de más de 60 álbumes y que abarca cinco décadas.

Sus inicios en la música comienzan de muy joven, con varios años de estudio de guitarra clásica y la participación al bajo en un grupo de Düsseldorf llamado Les Barons.

Durante sus estudios de filología alemana se demuestra como un compositor moderno y músico cercano a las teorías de la Universidad de Berlín.

Es aquí en Berlín donde inicia su carrera como músico profesional, formando parte de grupos pertenecientes a la escena alternativa berlinesa de finales de los años 60 y principios de los 70:

Psy Free(1967-1968),

Tangerine Dream(1969-1970)

Ash Ra Tempel

 The Cosmic Jokers,

Grabaciones con los artistas como Harald Grosskopf, Manuel Göttsching, etc, producto de sesiones llenas de LSD con Rolf-Ulrich Kaiser (como productor), discos hoy dia muy difíciles de encontrar y a precios elevados en caso de hacerlo formando parte también de grupos como Go, con Stomu Yamashita, Steve Winwood, Michael Shrieve y Al Di Meola.

Más tarde, comenzó una carrera discográfica dentro del ámbito electrónico que llega a nuestros días y que abarca más de cien títulos propios, colaboraciones, conciertos y producciones.

Tangerine Dream

Tangerine Dream es una banda alemana de música electrónica que surgió en el marco de la llamada escena krautrock de finales de la década del 60; el grupo fue fundado en 1967 por Edgar Froese.

Fue pionera del ambient, del space rock y del uso de secuenciadores. El músico y compositor Klaus Schulze fue batería del grupo en sus inicios, y desde que abandonó la banda, ésta atravesó una gran cantidad de cambios de alineación, pero la más importante fue la de mediados de los años 1970, compuesta por Froese (quien se convertiría en el único miembro en aparecer en todas las alineaciones), Christopher Franke y Peter Baumann, con la cual editaron algunos de sus álbumes más importantes como “Phaedra” (1974), “Rubycon” (1975) y “Stratosfear” (1976), y especialmente los directos “Ricochet” (1975) y “Encore” (1977). En los años 1980 Johannes Schmoelling reemplazó a Baumann, y esta alineación también fue importante y estable. La banda obtuvo gran parte de su reconocimiento gracias a las bandas sonoras que grabaron para películas como “Sorcerer” (1977) y “Risky Business”.

La música de Tangerine Dream es instrumental (con algunas excepciones como el álbum Cyclone), usualmente basada en el uso de sintetizadores y secuenciadores, y con un sonido “cósmico”. Muy pocos de sus numerosos álbumes no fueron puramente instrumentales, entre ellos se encuentran “Cyclone” (1978) y “Tyger” (1987) (este último tenía poemas de William Blake recitados sobre la música), que se encontraron con el rechazo por parte de los seguidores. Aunque hubo una presencia ocasional de voces en otros de sus LP, como la pista “Kiew Mission” de su álbum de 1981 “Exit”, el grupo sólo volvió a contar con vocalistas en los últimos años, en el tributo a Syd Barrett “Madcap’s Flaming Duty”, y en una trilogía musical basada en “La Divina Comedia” de Dante.

Kraftwerk

Kraftwerk [ˈkʀaftvɛʁk]:

“Central Energética” en alemán, es un proyecto musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras el éxito de su álbum Autobahn en 1974. Fueron elegidos #1 de los mejores artistas de música electrónica de la historia por Discogs 1

Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.

Paris La Defense (Part 5 of 10) (HQ) – Jean Michel Jarre

Jean Michel Jarre’s concert in Paris on 14th July 1990 entered the record books as having attracted the biggest ever crowd to a free rock concert. Over two million exuberant fans crammed the narrow streets of central Paris to enjoy an evening of great music and stunning visual effects.

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