David Sylvian

David Sylvian (nacido David Alan Batt el 23 de febrero de 1958 Beckenham, Kent) es un reconocido cantante, músico y compositor británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros.Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música. Su posterior carrera solista fue descrita por el crítico Jason Ankeny1 como “una carrera esotérica y de largo alcance que abarca no sólo proyectos en solitario, sino también una serie de fascinantes actividades de colaboración.” El trabajo solista de Sylvian ha sido influenciado por una gran variedad de géneros y estilos musicales , que incluyen jazz, avant-garde , ambient, Música electrónica, Rock progresivo y música de cámara.

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero. En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum. ´ Durante un período de pocos años su música se volvió más sofisticada, recurriendo en primer lugar al art rock al estilo de Roxy Music.Su imagen visual fue evolucionando y fue etiquetada como New Romantic .De hecho, se podría argumentar que Japan estaba a la vanguardia de todo el movimiento New Romantic, aunque la banda nunca se asocia con él. Japan grabó cinco ábumes entre 1978 y noviembre de 1981. En 1980, firmaron conVirgin Records, donde permaneció Sylvian como artista de grabación para los próximos veinte años.

La banda sufrió enfrentamientos personales y creativos, especialmente entre Sylvian y Karn, y las tensiones surgen de la relación de Sylvian con Yuka Fujii, una fotógrafa, artista y diseñadora, y la ex novia de Karn.2 Fujii rápidamente se convirtió en una figura de influencia en la vida de Sylvian. Ella fue la primera en introducir a Sylvian en el jazz, que a su vez lo inspiró a seguir caminos musicales que aún no habían sido abiertos para él. También lo alentó a incorporar la disciplina espiritual en su rutina diaria a lo largo de su carrera en solitario, Fujii ha mantenido un papel muy importante en el diseño de las ilustraciones para sus álbumes.

En 1982, Sylvian lanzó su primera colaboración con Ryuichi Sakamoto, titulado “Bamboo Houses/Bamboo Music.” También trabajó con Sakamoto en la canción que ocupó el Top 20 de Reino Unido “Forbidden Colours” Para la película de 1983 Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Oshima.

Su álbum debut, Brilliant Trees (1984), fue aclamado por la crítica. Tuvo la colaboración de Ryuichi Sakamoto, el trompetista y miembro de Can Jon Hassell, y el bajista Holger Czukay.

En 1985, Sylvian lanzó un Mini-Album instrumental llamado Alchemy: An Index of Possibilities, en colaboración con Jansen, Hassell y Czukay, una grabación que, cuando fue re-lanzada en 2003, incluyeron la adición de Steel Cathedrals.

El siguiente lanzamiento fue el ambicioso disco doble Gone to Earth (1986), que además burlo la sabiduría convencional y comercial al presentar un registro de atmosféricas pistas vocales y un segundo disco de instrumentos ambientales. El álbum contiene contribuciones de notables guitarristas como Bill Nelson de Be-Bop Deluxe y Robert Fripp de King Crimson.

Secrets of the Beehive (1987) tuvo un mayor uso de instrumentos acústicos y musicalmente fue orientado hacia las sombrías, emotivas baladas con relucientes arreglos de cuerda por Ryuichi Sakamoto y Brian Gascoigne.El álbum ha producido una de las canciones mejor recibidas de Sylvian “Orpheus,” y fue apoyada más tarde por su primera gira en solitario ‘In Praise of Shamans.’

Sin ajustarse a las expectativas comerciales, Sylvian entonces colabora con Holger Czukay. Plight and Premonition, dado a ver en 1988, y Flux and Mutability, grabado y lanzádo un año después, que también incluyo a los miembros de Can Jaki Liebezeit y Michael Karoli.

En 1990, Sylvian colaborado con los artistas Russell Mills y Ian Walton en elaborar multi-media de instalación utilizando la escultura, luz y sonido titulado Ember Glance – The Permanence of Memory. La exposición fue montada en el museo temporal ‘Space FGO-Soko’ en Tokyo Bay, Shinagawa.3

1990: Rain Tree Crow
También en 1990, Sylvian se reunió con los ex miembros de Japan para un nuevo proyecto. A diferencia de sus trabajos anteriores, Sylvian decidió utilizar los métodos de la improvisación como los que exploró en su trabajo con Czukay. Ingrid Chavez, una artista que firmó con Paisley Park Records, le envió una copia de su primer álbum. Le gustó lo que escuchó y pensó que su voz encajaría bien con algún material que tanto Ryuichi Sakamoto y él estaban trabajando para un nuevo lanzamiento. Chávez y Sylvian desarrollaron rápidamente una fianza y decidieron viajar juntos durante todo el Reino Unido y los EE.UU., donde finalmente se estableció después de casarse en 1992.

1993: con Robert Fripp
A principios de 1990, el guitarrista Robert Fripp, instó a Sylvian para unirse a una nueva versión de los incondicionales del rock progresivo King Crimson. Sylvian rechazó la invitación, pero él y Fripp grabaron el álbum The First Day lanzado en julio de 1993.El álbum mezcló canciones de contenido filosófico de Sylvian y los entrenamientos Funk y estilos de Rock más agresivos al estilo de algunos trabajos de King Crimson. Para capitalizar el éxito del álbum, los músicos volvieron a la carretera en el otoño de 1993.Una grabación en vivo, llamada Damage y lanzada en 1994, fue recogida para la muestra final de la gira.

La colaboración final de Sylvian y Robert Fripp fue la instalación Redemption – Approaching Silence. La exposición se celebró en el Centro de Arte y P3 para el Medio Ambiente en Shinjuku, Tokio, y salió de 30 agosto a 18 septiembre, 1994. La música de acompañamiento fue compuesta por Sylvian, con texto escrito y recitado por Fripp.

A finales del verano de 1995, Sylvian llevó a cabo una gira en solitario de un hombre que llamó ‘Slow Fire – A Personal Retrospective.’

Siguió un período de inactividad musical relativa, durante el cual Sylvian e Ingrid Chávez se trasladaron a Minnesota en Valle de Napa. Chávez había dado a luz a dos hijas, Ameera-Daya (nacido en 1993) e Isabelle (nacido en 1996), y continuó su interés por la fotografía y la música.

2000: Trabajo Reciente
En 1999, Sylvian lanzó su nuevo disco solista llamado Dead Bees on a Cake, donde se reunieron las influencias más eclécticas de todas sus grabaciones, que van desde soul a jazz fusion, de blues a cantos espiritales Orientales, y la mayoría de las letras de las canciones reflejan la paz interior del Sylvian de ahora de 41 años de edad, resultado de su matrimonio, la familia y las creencias. Entre los músicos invitados figuraban viejo amigo Ryuichi Sakamoto, el Tabla de formación clásica Talvin Singh, el guitarrista vanguardista Marc Ribot, el trompetista de Jazz Kenny Wheeler, y el guittarrista de jazz contemporaneo Bill Frisell. Siguiendo Dead Bees, Sylvian se separa Virngin y lanza su propio sello independiente Samadhi Sound. Después lanza el álbum Blemish. Una fusión de estilos, que incluyen Jazz y electrónica, la gira de Sylvian lo había habilitado para realizar la música de su proyecto Nine Horses , así también como una selección de su catalogo pasado.

El 14 de septiembre de 2009 lanzó Manafon en dos ediciones, el álbum fue aclamado por la crítica. Manafon incluye contribuciones de personalidades en como el saxofonista Evan Parker, el multi-instrumentista Otomo Yoshihide, Christian Fennesz, Sachiko M y AMM el guitarrista Keith Rowe, percusionista Eddie Prévost y el pianista John Tilbury. Sylvian declaró sobre el álbum como “una completa forma moderna de música de cámara. Íntimo, dinámico, emotivo, democrático, económico”4

En 2010 lanzó Sleepwalkers, una recopilación de colaboraciones de los ‘00s, en 2011 Died in the Pool, compuesto de variaciones sobre Manafon y en 2012 la recopilación A Victim of Stars 1982-2012.

En 2012 canceló la gira prevista, debido a problemas de salud.

TOTO

Toto es una banda estadounidense de rock formada en 1976 por músicos de sesión proveniente de Los Ángeles. La agrupación combina diferentes estilos musicales como el blues, rock, pop, jazz y funk. Actualmente está formada por Steve Lukather, Keith Carlock, Joseph Williams, Steve Porcaro y David Paich.

La banda ha realizado a la fecha 19 álbumes: 13 álbumes de estudio, 4 en vivo, 1 bandas sonoras (Dune) y su más destacada compilación que cuenta con 4 canciones inéditas (Past to Present).

Han vendido más de 35 millones de discos. Y han sido nominados en 10 ocasiones a los premios Grammy, incluyendo categoría: Mejor banda nueva, Disco del año, Producción del año, Grabación del año, llevándose el galardón en 6 ocasiones en una misma jornada en la 25a edición de los premios en el año 1983, estableciendo el récord de la banda que más Grammys se ha llevado en una ceremonia con el disco Toto IV.

Su último disco de estudio fue lanzado en el 2006, titulado Falling in Between. Con el lanzamiento del disco, Toto comenzó a hacer tours extensos por todo los continentes, denominado: Tour Falling in Between. En base a los tours que se hicieron entre el 2006 y el 2008, lanzaron su último trabajo en vivo titulado Falling In Between Live.

En 2008, Steve Lukather anunciaba en su página web que Toto se separaría definitivamente. Y lo que sería una separación definitiva, terminó siendo un receso de tan sólo dos años para la banda, porque se reunieron en el año 2010 para realizar una gira por Europa con el fin de recaudar dinero para Mike Porcaro, bajista original al cual se le diagnosticó Esclerosis lateral amiotrófica1 , y que debió dejar la banda en pleno tour Falling in Between, siendo reemplazado por el veterano bajista y músico de sesión: Leland Sklar.

La noticia de la reformación y de una nueva gira sorprendió a los fans debido a que no fueron citados Bobby Kimball -voz original de la banda-, ni Greg Phillinganes -quién tocó en el disco Falling in Between y los acompañó en la gira promocional del disco-. Sin embargo, se reintegraron antiguos y originales miembros como es el caso de los tecladistas David Paich y Steve Porcaro y del vocalista Joseph Williams, quién cantó en los discos Fahrenheit y The Seventh One.

Actualmente harán una gira en 2013 para celebrar sus 35 años de carrera desde el lanzamiento de su primer disco homónimo y con la finalidad de recaudar dinero para el distanciado bajista del grupo. Esta vez quién reemplazará al bajista sería el músico de sesión Nathan East, que ha tocado con la banda desde que se volvieron a reunir.

Junto a Journey, Foreigner y Boston, lideraron el movimiento de soft rock o rock melódico en Estados Unidos y el resto del mundo en la década de los ochentas.

Dead Can Dance

Brendan_Perry_y_Lisa_Gerrard

 

Dead Can Dance es un grupo musical británico-australiano formado en Melbourne en 1981 por el británico Brendan Perry y la australiana Lisa Gerrard. La banda se asentó en Londres en mayo de 1982. Es una de las bandas de culto más importantes de las escenas del rock gótico, dark wave, post-punk y world music.

El historiador de la música australiano Ian McFarlane describe el estilo de Dead Can Dance como “paisajes sonoros construidos de grandeza fascinante y solemne belleza; polirritmias africanas, folklore gaélico, canto gregoriano, mantras de Oriente Medio y arte rupestre”.

Después de haberse disuelto en 1998, la banda se reunió brevemente en 2005 para una gira mundial y se reformó en 2011, publicando un nuevo álbum (Anastasis) y embarcándose en varias giras.

Dead Can Dance se formó en Melbourne en el año 1981 estableciéndose inicialmente en Australia. Al no tener grandes perspectivas de éxito en ese país se trasladaron a Londres donde tras un año firmaron para el legendario sello de rock alternativo 4AD, convirtiéndose en una de sus bandas más importantes. Continuaron trabajando juntos hasta adentrados los años 1990, cuando comenzaron a trabajar por separado. Lisa Gerrard retornó a Australia, mientras Brendan Perry se fue a Irlanda, lugar en que compró una vieja iglesia, Quivy Church, en la cual vive y trabaja.

Asignar un género musical a Dead Can Dance es difícil, puesto que su estilo era particularmente ecléctico. Sin embargo, aunque a menudo sus primeros trabajos son clasificados como música gótica, los propios miembros han desmentido esto. Cada uno de los discos del grupo está influenciado por una o varias culturas, líneas estéticas y movimientos musicales desde lo más antiguo como los cantos gregorianos y la música tradicional Persa, sin embargo siempre mantienen raíces en la música étnica antigua. Sus últimos discos son extraordinariamente diferentes a los tres primeros.

El nombre Dead Can Dance significa poner vida nuevamente dentro de algo que está muerto, o que hace mucho no ha sido utilizado. Algunos de los instrumentos que usan son antiguos o poco frecuentes en la música occidental.

Se separaron temporalmente en 1998 y se reunieron para una gira por Europa, Canadá, Estados Unidos y México en 2005. Y aprovechan para sacar su último disco recopilatorio Memento siguiendo la estela en versión reducida del que editaron en 2001 que se suponía que era su despedida Box Set.

Brendan ha prometido un álbum y una gira para el 2012.2 Cumpliendo su palabra, el 08 de agosto de 2012 arranca la nueva gira mundial que promociona su nuevo álbum Anastasis (2012), también a lanzarse para dicho mes. El dúo está de regreso.

Curiosidades
La canción The Host of Seraphim es la que cierra la película de Stephen King La Niebla también pertenece a la Banda Sonora de Baraka.

 

Richard Galliano

Richard Galliano (Cannes, 12 de diciembre de 1950) es un compositor musical y acordeonista franco-italiano de jazz.

Comenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que le introdujo en el mundo del jazz. Siguió sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, dirigido entonces por el organista Pedro Cochereau. Allí tomó clases de contrapunto, armonía y trombón.

En 1983, Astor Piazzolla invita a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa inspirada en el Sueño de una noche de verano (de William Shakespeare) con música original de Piazzolla escrita sobre una puesta en escena de Jorge Lavelli. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Astor Piazzolla en 1992.

Ibrahim Maalouf

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Ibrahim nace en una familia de intelectuales y artistas: hijo del trompetista Nassim Maalouf y de la pianista Nada Maalouf, sobrino del escritor Amin Maalouf, nieto de Rushdi Maalouf, periodista, poeta y musicólogo. Ibrahim Maalouf es el único trompetista en el mundo que interpreta música árabe con una trompeta muy especial de cuatro tonos, inventada por su padre en los años sesenta. Gana premios en los concursos de trompeta clásica más importantes del mundo. En julio de 2010, se le otorga la Victoire de la Révélation Instrumentale del año (premio Frank Ténot) en las “Victoires du Jazz” en Juan-les-Pins, Francia.

Huyó con su familia en plena guerra civil libanesa y creció en un barrio de las afueras de París con sus padres y su hermana Layla de dos años mayor que él. Allí hace sus estudios hasta los 17 años y obtiene un bachillerato científico especializado en matemáticas en el instituto Geoffroy-Saint-Hilaire de Etampes (departamento: Essonne).

Comienza sus estudios de trompeta a los 7 años con su padre Nassim Maalouf, antiguo alumno de Maurice André en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París. Luego, su padre le enseña también la técnica clásica, el repertorio barroco, clásico, moderno, contemporáneo y la música clásica árabe además del arte de la improvisación y de los modos árabes. En efecto, su padre es el inventor de la trompeta de microtonos llamada de “ cuartos de tono” que permite interpretar los makams, la antigua música tradicional árabe. Otra particularidad, Ibrahim empezó a tocar la trompeta pícolo muy joven. Desde los 9 años acompaña a su padre a dúo por Europa y por el Oriente Medio con un repertorio barroco de Vivaldi, Purcell, Albinoni, etc. De este modo descubre al público y al revés el público lo descubre a él poco a poco. A los 15 años, Ibrahim llama la atención de los profesionales en un concierto con una orquesta de cámara ya que interpreta el Segundo Concierto de Brandeburgo de Bach. Numerosos trompetistas consideran que esta obra es la más difícil en el repertorio para trompeta clásica. Unos años más tarde, Ibrahim encuentra a Maurice André: lo anima a convertirse en profesional de la trompeta. Ibrahim decide entonces dejar los estudios científicos para dedicarse definitivamente a la música.

Ibrahim compone desde muy pequeño. Presenta sus composiciones por primera vez tan sólo en 1999. Su primer grupo “Farah” tenía un color Jazz’Oriental bastante pronunciado ya que le acompañaban un saxófono, un ney, una flauta travesera, un piano, un contrabajo, una guitarra, un buzuk e instrumentos de percusión árabes. Fue difundida una grabación de este grupo por cadenas musicales entre 2004 y 2005. El grupo hizo ensayos en estudios pero no hubo ningún disco.

En 2004, su encuentro con Lhasa de Sela le abre la puerta hacia el mundo electro. Sus colaboraciones con cantantes de pop y de rock le dan a descubrir otros colores además del jazz, del clásico y de la música árabe. Poco a poco Ibrahim cambia de rumbo en sus composiciones hacia un universo más actual. En 2006, después de numerosos intentos y ensayos musicales, encuentra a Alejandra Norambuena Skira (Fonds d’action SACEM: mecenazgo para artistas). Ella le presenta al productor Jean-Louis Perrier. Éste le ayuda a montar un grupo con el que actúa en concierto el 12 de febrero de 2006 en la sala del New Morning en París. Con este concierto toma posesión de la escena francesa de Jazz’Electro Oriental Rock.

En su música y en su manera de tocar la trompeta se inspira principalmente en su cultura de origen árabe, pero la instrumentación que le acompaña (bajo, guitarra eléctrica, batería, instrumentos de percusión árabes y vibráfono) y los músicos con quienes actúa permiten dar un color más rockero, electro y Jazz Funk más actual a su música.

Sus conciertos se basan en músicas animadas que dan ganas de bailar. Sin embargo, siempre hay una parte más meditativa, más mística en el concierto a la que le gusta llamar “oración universal”.

Ibrahim se inspira mucho en su cultura de origen. Este tema ha sido tratado en el documental Souffle ! realizado por Christophe Trahand entre 2005 y 2006, producido por Cocottes Minutes. Christophe Trahand siguió a Ibrahim durante algunos meses en busca de su inspiración, de su relación con su país original y la distancia que le aparta de ello. Este documental muy poético ha sido difundido en TV5MONDE y está disponible en DVD en la colección Docnet films.

Concert for George

Concierto homenaje al ex-beatle George Harrison en el primer aniversario de su partida aquí reconocidos músicos y amigos le rinden un sentido tributo al músico, compositor y quizás uno de los pecursores del movimiento del “Worldmusic” ya que a partir de 1965 es el primero en agregar elementos tradicionales de la música india a la de los Beatles dándole así una nueva dimensión al naciente rock & roll en la década de los 60.

Paco de Lucía

Francisco Sánchez Gómez, de nombre artístico Paco de Lucía, (Algeciras, Cádiz, 21 de diciembre de 1947)

Ha recibido, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004).

Es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music, distinción concedida en mayo de 2010.

Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otros estilos musicales.

Una Leyenda llamada Led Zeppelin

 

Led Zeppelin fue un grupo británico de rock, considerado uno de los mejores grupos musicales de la historia. Fue fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy).

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, e incluso el country.

Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos, y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.) de la historia de la música, sólo por detrás de The Beatles. Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Box Set (10 millones). En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número catorce en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».

Silvio Rodríguez

Silvio_Rodriguez_2011

Silvio Rodríguez Domínguez (San Antonio de los Baños, 29 de noviembre de 1946) es un cantautor, guitarrista y poeta cubano, exponente característico de la música de su país surgida con la Revolución cubana, conocida como la Nueva Trova Cubana, que comparte con otros reconocidos cantautores tales como Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú.

Su infancia se desarrolló durante la transición del gobierno de Fulgencio Batista y el inicio de la Revolución cubana, colaborando para esta última desde sus inicios como educador, dibujante, escritor, compositor, militar y político. Comenzó su carrera musical ejerciendo como conductor de televisión, para luego integrarse al Grupo de Experimentación Sonora dirigido por Leo Brouwer, y finalmente consolidándose como solista.

Con más de cuatro décadas de carrera musical, ha escrito al menos quinientas cuarenta y ocho canciones y publicado una veintena de álbumes, siendo uno de los cantautores de mayor trascendencia internacional del habla hispana. Acabando el siglo XX, fue elegido en su país junto a Ernesto Lecuona como el mejor compositor cubano del siglo, mientras que a nivel internacional fue galardonado, junto a Joan Manuel Serrat, como el mejor cantautor hispanoamericano de la segunda mitad de siglo y en 1997 como Artista Unesco por la Paz. En el siglo XXI, por su parte, recibió el premio ALBA de 2010, además de recibir el grado de doctor Honoris Causa en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos del Perú, la Universidad Veracruzana de México y la Universidad Nacional de Córdoba de Argentina.

De acuerdo con diversos ranking musicales, entre los discos más relevantes del cantautor pueden mencionarse algunos de los primeros, tales como Al final de este viaje (1978), Unicornio (1982), Mujeres (1978), Días y flores (1975) y Rabo de nube (1980).

Premiata Fornería Marconi

La Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, la Premiata Forneria Marconi fue la única banda italiana de rock progresivo que obtuvo éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

La historia de Premiata Forneria Marconi comienza durante la década del ’60 con la formación del grupo I Quelli, integrado por Teo Teocoli, Franz Di Cioccio en la batería, Flavio Premoli en los teclados, Franco Mussida en la guitarra y Giorgio Piazza en el bajo.

En 1970, Teo Teocoli abandona al grupo, también Di Cioccio lo hace por algunos meses para tocar con el grupo Equipe 84. A finales de 1970 Cioccio, Mussida, Premoli y Piazza junto a Mauro Pagani forman la Premiata Forneria Marconi. El nombre lo tomaron de la panadería en cuyo sótano ensayaban. Una de las paredes ostentaba el título que había obtenido a principios del Siglo XX: “premiada panadería Marconi”. El debut del grupo se lleva a cabo en 1971 en el Teatro Lírico de Milano abriéndole el show a Yes en su primera gira por Italia. Este importante debut atrajo la atención del público y de la crítica. En ese mismo año, editan su primer álbum llamado “Storia Di Un Minuto” con el sello Número Uno. El grupo sigue creciendo musicalmente y son invitados a abrir los conciertos de Deep Purple y Procol Harum, logrando realizar su primera gira por 16 ciudades de Italia. En el año 1972 sale editado su disco “Per un amico”, pero la fama mundial no llegaría hasta el año 1973 cuando es editado en Inglaterra a cargo del sello Manticore el álbum “Photos of Ghosts”, versión en inglés de su disco “Per un amico”. En “Photos of Ghosts”, Pete Sinfield, el poeta de King Crimson, se encarga de adaptar la letra de las canciones.

Franco Mamone, manager del grupo, le da a Emerson, Lake & Palmer la cinta del disco y es Greg Lake quien se interesa por el grupo y viaja a Roma a escucharlos en vivo. Gracias al éxito de este álbum entran a los charts tanto de los Estados Unidos como del Reino Unido. En marzo de 1973 comienza su primera gira por el Reino Unido y por Europa. En Agosto de ese mismo año, Patrick Djivas, del grupo Area, reemplaza en el bajo a Piazza para grabar su cuarto disco llamado “L’isola di niente”, disco que al año siguiente se editaría en Inglaterra nuevamente en el sello Manticore y con el nombre “The World Became The World”. Logran así su segunda gira por Europa y el Reino Unido para abrir los conciertos de la banda Ten Years After, y también su primera gira americana: se presentan en Canadá y en los Estados Unidos abriendo los conciertos de bandas como Santana y The Beach Boys, entre otros. Esta gira le significó a la banda un gran aumento de su popularidad, lo cual le permitió editar su primer disco en vivo, llamado “Live in USA”, aunque también conocido como Cook, inmortalizándose de esta manera su gira por los Estados Unidos. Al año siguiente, en 1975 editaría “Chocolate Kings”, disco que sería boicoteado en los Estados Unidos debido al abierto apoyo de la banda a la causa palestina. Al salir “Jet Lag” en 1977, su sonido se inclina al jazz rock, que tanto sedujo a los músicos de rock progresivo de esos tiempos. Posteriormente, la banda editaría varios trabajos que supondrían una gran controversia, ya que los antiguos fanáticos de la banda, que estaban más orientados hacia el rock progresivo, recriminaban el nuevo sonido, más “comercial” y menos progresivo, que adquirió la banda a partir de su disco Passpartù, editado en 1978, y que se mantendría hasta el año 2005, en que tendría lugar el lanzamiento de su decimoquinto disco de estudio: “Dracula (Ópera Rock)”, disco que sería banda sonora de la ópera rock homónima dirigida por el argentino Alfredo Rodríguez Arias. La obra escénica es uno de los musicales más costosos en la historia del viejo continente.