Kalmuk

Novedosa, fresca, envolvente es la propuesta sinfónica del acordeonista finés Kimmo Pohjonen que recuerda en ciertos pasajes a las construcciones minimalistas del compositor norteamericano Phillip Glass acompañada de una interesantísima puesta en escena.

Disfruten pues de Kalmuk.

 

Kitaro

Kitaro (喜多郎 Kitarō), (nacido como Masanori Takahashi (高橋正則 Takahashi Masanori) el 4 de febrero de 1953, en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), es un músico, compositor y multiinstrumentista. Su nombre artístico le fue dado por sus amigos posteriormente, quienes lo sacaron de un personaje de una serie manga de la televisión japonesa llamado Kitarō, de GeGeGe no Kitarō. Es hijo de una familia de granjeros sintoístas.

Inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. “Esta música no proviene de mi mente,” señala. “Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, ‘¿De quién es esta canción?’ Escribo mis temas pero no son mis temas

Mientras asistía al Toyohashi Commercial High School, organizó con unos amigos el grupo Albatross. En esa época, ellos tocaban en fiestas y clubes. Durante la enseñanza secundaria comenzó tocando la guitarra pero luego se cambió al teclado. Justo antes de las actuaciones el baterista tuvo un accidente y Kitaro le sustituyó. Poco tiempo después el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.

Cuando terminó el colegio se fue a Tokio y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocaba el teclado y descubrió el sintetizador. Sus padres se opusieron a que continuase con su carrera musical porque tenían otros planes para él. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.

A principios de los años 70, se dedicó totalmente al teclado. Se unió a la banda Far East Family Band (La Banda de la Familia del Lejano Oriente) y con ella recorrió el mundo. En Europa conoció al músico de sintetizadores alemán y ex miembro de Tangerine Dream Klaus Schulze. Schulze produjo dos álbumes para la banda y le dio a Kitaro consejos en relación al uso de los sintetizadores. En 1976, dejó la banda y viajó por Asia (China, Laos, Tailandia e India).

Al volver a Japón, comenzó su carrera de solista, en 1977. Los primeros dos álbumes Ten Kai y From the Full Moon Storyse convirtieron en obras de culto para los admiradores del naciente movimiento de la Nueva Era. Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.

Kitaro es una persona muy modesta. “La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero“, señaló. “Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua. Desde 1983, su respeto por la naturaleza lleva a Kitaro todos los años a dar las gracias a la Madre Naturaleza con un concierto especial en el Monte Fuji o cerca de su residencia en Colorado. Un día de luna llena de agosto toca un tambor taiko desde el atardecer hasta el amanecer. Frecuentemente sus manos llegan a sangrar.

Pero fue su famosa banda sonora para la serie NHK “Silk Road” la que llamó la atención internacional. Firmó un contrato con Geffen Records para la distribución mundial de sus obras en 1986. En 1987, colaboró con diferentes músicos, como por ejemplo, Micky Hart (Grateful Dead) y Jon Anderson (Yes) y las ventas de sus discos llegaron a 10 millones de copias a nivel mundial. En esa época fue nominado en dos ocasiones al Grammy y ganó un premio en 1994 a la “Mejor Partitura Original” por la banda sonora (de la película “Heaven & Earth”). Su mayor éxito musical fue el Premio Grammy de 2001 por su álbum Thinking of You.

Jean Michel Jarre

Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Es hijo de la enfermera France Pejot y del por entonces desconocido compositor de bandas sonoras Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influido por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, “Le Chat qui Pêche” donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al “Grupo de buscadores musicales de Goldeun”(Groupe de Recherches Musicales), liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier instrumento. Así experimentó en diversos frentes: su primera banda de rock, The Dustbins, donde era vocalista y primera guitarra y logró cierta repercusión al aparecer en la película francesa Des garçons et des filles (1967). Sus primeros singles  La Cage  Erosmachine, Hypnose o Happiness is a Sad Song; colaborando con otros artistas, como la creación de la Pop Corn Orchestra (1971), para interpretar el famoso tema Popcorn (cuyo original de Gershon Kingsleysirvió de base para Oxygène 4); componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo AOR.

King Crimson

King Crimson es una banda de rock progresivo fundada en Londres en 1969. Es considerado uno de los grupos pioneros del rock progresivo de los años 70, y uno de los pilares del género, más allá de su diversificación sonora y mutaciones estilísticas.

La banda ha adoptado diversos sonidos durante su historia, producto de la diversa instrumentación utilizada y ha tenido una gran influencia en muchos artistas de la música contemporánea. Además, ha ganado un gran número de seguidores a pesar de tener poca presencia en la radio, televisión u otros medios de comunicación.

Aunque originaria de Inglaterra, la banda ha tenido una mezcla de personal de Inglaterra y de Estados Unidos desde su reencarnación de 1981. El grupo se caracteriza también por su constante cambio de miembros, llegando a diecinueve el número de músicos que pasaron por sus filas. Robert Fripp, el guitarrista y líder, es el único que forma parte del Rey Carmesí durante toda su larga historia. Desde 1981, la banda ha obtenido mayor estabilidad, siendo Adrian Belew miembro de la misma desde ese año.

La alineación debut del grupo fue muy influyente, pero de corta duración (duró poco más de un año). En 1970 o 1971, King Crimson ya era una banda inestable, con muchos cambios de miembros. En 1972 se alcanzó una mayor estabilidad (con el bajista y vocalista John Wetton) y se desarrolló un sonido que mezclaba hard rock, música clásica y jazz, separándose por primera vez en 1974. La banda volvió a formarse en 1981 durante tres años más (esta vez influido por el new wave y con un estilo completamente diferente), pero volvió a separarse en 1984. Retornó nuevamente después de más de diez años, en 1994, lanzando el álbum THRAK. En el 2000 y en el 2003, se lanzarían los álbumes The ConstruKction of Light y The Power to Believe, respectivamente.

King Crimson se ha caracterizado por largos períodos de inactividad, decisión emanada de Robert Fripp. Tras diez años sin actividad, solo rotos por una mini-gira en 2008, Fripp ha anunciado una nueva formación del grupo que empezará a funcionar en 2014. El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B’il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.

Robert Fripp ha sido el único factor común de todos los discos y todas las alineaciones de King Crimson, aunque él no se considera a sí mismo como líder. Para él, King Crimson es “una manera de hacer cosas” y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.

Milarepa, Poeta y Santo del Tibet

Tal como yo lo entiendo, todos los Dharmas son remedios para las pasiones humanas y los deseos, pero el modo como tú les practicas sólo sirve para aumentar tus pasiones y deseos.

Milarepa

Este reconocido yogui vivió hacia el siglo 11 de nuestra era, nacido en acomodada posición ya que su padre era un rico mercader  del Tibet que le dará  a su hijo el nombre de “Topaga”.

Al morir su padre, Topaga y su madre quedan en condiciones de semi-esclavitud y pobreza, ya que era el hermano de su difunto padre quien había sido encargado para velar por la fortuna que este debía reclamar al alcanzar su mayoría de edad, pasó el tiempo y el día de reclamar los bienes que le correspondían llegó.

Como pudieron organizaron una fiesta para celebrar dicho acontecimiento pero al enterarse los tíos de Topaga de este festejo inmediatamente le negaron su fortuna quedando é y su familia humillados ante la gente que había asistido. La madre presa de la furia y la humillación juró vengarse ante tal afrenta y en secreto mandó a Topaga a estudiar artes ocultas para hacer real su juramento de venganza.

los acontecimientos posteriores le causaron un gran pesar y emprende así el camino a la iluminación, encontrándose con quién sería su maestro y mentor “Marpa Lotsawa” quien gracias a sus múltiples viajes a India traduce y rescata las enseñanzas del Buda en Tibet y crearía la primera gran “Renovación” del budismo en el Tibet.

Topaga se convierte en un ser iluminado y admirado en el Tibet, toma el nombre de “Milarepa” que significa “el de la ropa de algodón” ya que los yoguis para esa época acostumbraban ataviarse con ropas blancas de ese material, uno de sus discípulos “Gampopa” crearía la Escuela Kagyu una de las más antiguas de todo Tibet y con mayor número de adeptos en Occidente.

He aquí pues un filme que resume la primera parte de su vida.

Budismo Tántrico ó la vía del diamante

 

En el budismo tántrico, los tantras inferiores (entre los sarmapa) o externos (entre los ñingmapa) excluyen el acto sexual, mientras que los tantras superiores o internos pueden incluirla (y de hecho estas tradiciones afirman que sin el acto sexual es imposible alcanzar la realización).

En el budismo, el tantrismo se conoce como «la vía rápida» o «el vehículo del resultado», dado que un practicante de tantra aprende a hablar, sentir y conducirse como si ya fuera un Buda que alcanzó la iluminación. Este enfoque es radicalmente diferente al resto de los caminos del yoga.

Los textos que recogen las enseñanzas del tantra (llamados Tantras) están escritos en clave simbólica, en forma de poemas, lo que dificulta su comprensión sin la ayuda adecuada.

 

Tráfico

Vivimos inmersos en nuestra
propia prisión urbana…  H.M.

Desconcertado

Soledad

Sólo los pinos me acompañan

David Sylvian

David Sylvian (nacido David Alan Batt el 23 de febrero de 1958 Beckenham, Kent) es un reconocido cantante, músico y compositor británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros.Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música. Su posterior carrera solista fue descrita por el crítico Jason Ankeny1 como “una carrera esotérica y de largo alcance que abarca no sólo proyectos en solitario, sino también una serie de fascinantes actividades de colaboración.” El trabajo solista de Sylvian ha sido influenciado por una gran variedad de géneros y estilos musicales , que incluyen jazz, avant-garde , ambient, Música electrónica, Rock progresivo y música de cámara.

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero. En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum. ´ Durante un período de pocos años su música se volvió más sofisticada, recurriendo en primer lugar al art rock al estilo de Roxy Music.Su imagen visual fue evolucionando y fue etiquetada como New Romantic .De hecho, se podría argumentar que Japan estaba a la vanguardia de todo el movimiento New Romantic, aunque la banda nunca se asocia con él. Japan grabó cinco ábumes entre 1978 y noviembre de 1981. En 1980, firmaron conVirgin Records, donde permaneció Sylvian como artista de grabación para los próximos veinte años.

La banda sufrió enfrentamientos personales y creativos, especialmente entre Sylvian y Karn, y las tensiones surgen de la relación de Sylvian con Yuka Fujii, una fotógrafa, artista y diseñadora, y la ex novia de Karn.2 Fujii rápidamente se convirtió en una figura de influencia en la vida de Sylvian. Ella fue la primera en introducir a Sylvian en el jazz, que a su vez lo inspiró a seguir caminos musicales que aún no habían sido abiertos para él. También lo alentó a incorporar la disciplina espiritual en su rutina diaria a lo largo de su carrera en solitario, Fujii ha mantenido un papel muy importante en el diseño de las ilustraciones para sus álbumes.

En 1982, Sylvian lanzó su primera colaboración con Ryuichi Sakamoto, titulado “Bamboo Houses/Bamboo Music.” También trabajó con Sakamoto en la canción que ocupó el Top 20 de Reino Unido “Forbidden Colours” Para la película de 1983 Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Oshima.

Su álbum debut, Brilliant Trees (1984), fue aclamado por la crítica. Tuvo la colaboración de Ryuichi Sakamoto, el trompetista y miembro de Can Jon Hassell, y el bajista Holger Czukay.

En 1985, Sylvian lanzó un Mini-Album instrumental llamado Alchemy: An Index of Possibilities, en colaboración con Jansen, Hassell y Czukay, una grabación que, cuando fue re-lanzada en 2003, incluyeron la adición de Steel Cathedrals.

El siguiente lanzamiento fue el ambicioso disco doble Gone to Earth (1986), que además burlo la sabiduría convencional y comercial al presentar un registro de atmosféricas pistas vocales y un segundo disco de instrumentos ambientales. El álbum contiene contribuciones de notables guitarristas como Bill Nelson de Be-Bop Deluxe y Robert Fripp de King Crimson.

Secrets of the Beehive (1987) tuvo un mayor uso de instrumentos acústicos y musicalmente fue orientado hacia las sombrías, emotivas baladas con relucientes arreglos de cuerda por Ryuichi Sakamoto y Brian Gascoigne.El álbum ha producido una de las canciones mejor recibidas de Sylvian “Orpheus,” y fue apoyada más tarde por su primera gira en solitario ‘In Praise of Shamans.’

Sin ajustarse a las expectativas comerciales, Sylvian entonces colabora con Holger Czukay. Plight and Premonition, dado a ver en 1988, y Flux and Mutability, grabado y lanzádo un año después, que también incluyo a los miembros de Can Jaki Liebezeit y Michael Karoli.

En 1990, Sylvian colaborado con los artistas Russell Mills y Ian Walton en elaborar multi-media de instalación utilizando la escultura, luz y sonido titulado Ember Glance – The Permanence of Memory. La exposición fue montada en el museo temporal ‘Space FGO-Soko’ en Tokyo Bay, Shinagawa.3

1990: Rain Tree Crow
También en 1990, Sylvian se reunió con los ex miembros de Japan para un nuevo proyecto. A diferencia de sus trabajos anteriores, Sylvian decidió utilizar los métodos de la improvisación como los que exploró en su trabajo con Czukay. Ingrid Chavez, una artista que firmó con Paisley Park Records, le envió una copia de su primer álbum. Le gustó lo que escuchó y pensó que su voz encajaría bien con algún material que tanto Ryuichi Sakamoto y él estaban trabajando para un nuevo lanzamiento. Chávez y Sylvian desarrollaron rápidamente una fianza y decidieron viajar juntos durante todo el Reino Unido y los EE.UU., donde finalmente se estableció después de casarse en 1992.

1993: con Robert Fripp
A principios de 1990, el guitarrista Robert Fripp, instó a Sylvian para unirse a una nueva versión de los incondicionales del rock progresivo King Crimson. Sylvian rechazó la invitación, pero él y Fripp grabaron el álbum The First Day lanzado en julio de 1993.El álbum mezcló canciones de contenido filosófico de Sylvian y los entrenamientos Funk y estilos de Rock más agresivos al estilo de algunos trabajos de King Crimson. Para capitalizar el éxito del álbum, los músicos volvieron a la carretera en el otoño de 1993.Una grabación en vivo, llamada Damage y lanzada en 1994, fue recogida para la muestra final de la gira.

La colaboración final de Sylvian y Robert Fripp fue la instalación Redemption – Approaching Silence. La exposición se celebró en el Centro de Arte y P3 para el Medio Ambiente en Shinjuku, Tokio, y salió de 30 agosto a 18 septiembre, 1994. La música de acompañamiento fue compuesta por Sylvian, con texto escrito y recitado por Fripp.

A finales del verano de 1995, Sylvian llevó a cabo una gira en solitario de un hombre que llamó ‘Slow Fire – A Personal Retrospective.’

Siguió un período de inactividad musical relativa, durante el cual Sylvian e Ingrid Chávez se trasladaron a Minnesota en Valle de Napa. Chávez había dado a luz a dos hijas, Ameera-Daya (nacido en 1993) e Isabelle (nacido en 1996), y continuó su interés por la fotografía y la música.

2000: Trabajo Reciente
En 1999, Sylvian lanzó su nuevo disco solista llamado Dead Bees on a Cake, donde se reunieron las influencias más eclécticas de todas sus grabaciones, que van desde soul a jazz fusion, de blues a cantos espiritales Orientales, y la mayoría de las letras de las canciones reflejan la paz interior del Sylvian de ahora de 41 años de edad, resultado de su matrimonio, la familia y las creencias. Entre los músicos invitados figuraban viejo amigo Ryuichi Sakamoto, el Tabla de formación clásica Talvin Singh, el guitarrista vanguardista Marc Ribot, el trompetista de Jazz Kenny Wheeler, y el guittarrista de jazz contemporaneo Bill Frisell. Siguiendo Dead Bees, Sylvian se separa Virngin y lanza su propio sello independiente Samadhi Sound. Después lanza el álbum Blemish. Una fusión de estilos, que incluyen Jazz y electrónica, la gira de Sylvian lo había habilitado para realizar la música de su proyecto Nine Horses , así también como una selección de su catalogo pasado.

El 14 de septiembre de 2009 lanzó Manafon en dos ediciones, el álbum fue aclamado por la crítica. Manafon incluye contribuciones de personalidades en como el saxofonista Evan Parker, el multi-instrumentista Otomo Yoshihide, Christian Fennesz, Sachiko M y AMM el guitarrista Keith Rowe, percusionista Eddie Prévost y el pianista John Tilbury. Sylvian declaró sobre el álbum como “una completa forma moderna de música de cámara. Íntimo, dinámico, emotivo, democrático, económico”4

En 2010 lanzó Sleepwalkers, una recopilación de colaboraciones de los ‘00s, en 2011 Died in the Pool, compuesto de variaciones sobre Manafon y en 2012 la recopilación A Victim of Stars 1982-2012.

En 2012 canceló la gira prevista, debido a problemas de salud.

Caminando sobre el mar de concreto